Mohsen Gallery - Booth T02

ARTISTES

Sara Abbasian

Sasan Abri

Majid Biglari

Elika Hedayat

Ali Phi

Arya Tabandehpoor

Amir-Nasr Kamgooyan

Autrefois, il était courant pour les marins de la côte sud de l'Iran d'allumer une torche en cas de danger pour demander de l'aide. On l'appelait la "lumière de la rédemption". "Sur ce navire, il y a la lumière de la rédemption", disent-ils d'un navire ou d'un bateau en train de couler sur les mêmes rivages aujourd'hui. Les artistes de l'émission, ainsi que leurs pairs, savent également qu'il existe une rédemption après s'être noyé et avoir plongé en eaux profondes. Au lieu d'attendre un sauveur, ils cherchent à nager pour se sauver, à renouveler leur relation avec le monde turbulent qui les entoure et à se redéfinir en reconnaissant leur relation avec le monde extérieur à travers leur lien avec la technologie, la nature et la politique ; cela définit également la relation de l'humain iranien avec "l'autre", créant une sorte d'identité éclectique-accidentelle pour eux.

La pratique artistique présentée par ces sept artistes semble être le résultat de la vie et de l'expérience d'une génération née après la révolution iranienne et la guerre : une période tumultueuse au Moyen-Orient, au cours de laquelle même la décision la plus simple de la vie quotidienne est extraordinairement déterminée par les circonstances extérieures difficiles. En effet, chaque artiste est une allégorie simple et familière d'une génération qui, malgré ses préoccupations et ses angoisses communes découlant de sa situation géographique stérilisée, est unique et étendue dans sa façon de traiter les médias, son style narratif et sa perception de la réalité.

En utilisant les moyens de création visuelle les plus élémentaires, à savoir le crayon et le papier, Sara Abbasian raconte l'histoire de la violence incessante des êtres humains envers eux-mêmes et leur environnement naturel. Les dessins d'humains et d'animaux de la série "Epidemy" d'Abbasian équivalent à une prédiction sinistre, tandis que "Cluster Five" décrit avec précision les prédictions qui se sont réalisées. Tel un médium, elle convoque les morts dans le monde des vivants puis les représente : une image irritante, cauchemardesque, qui étourdit le spectateur et lui fait redécouvrir sa relation avec la nature, dont le lot n'est que mort et destruction après nous avoir soignés pendant des millénaires.

Les œuvres d'Amir-Nasr Kamgooyan représentent un état d'unité entre les formes contraires de l'univers qui "dé-définissent" la frontière entre existence et non-existence, organique et inorganique, sommeil et éveil, souvenir et oubli. En observant attentivement les outils et les plantes, il dépeint l'unité de manière coïncidente, en plaçant des personnes mécaniques dans une symétrie asymétrique entre une multitude de plantes, d'oiseaux et de petites et grandes créatures. Dans la continuité de ses séries précédentes, ces œuvres ont emprunté un chemin intemporel, désincarné, sans trace du présent, tout en n'appartenant ni au passé ni au futur.

Sasan Abri est un artiste dont le cœur est tourné vers les souvenirs. Avec sa technique unique d'impression de photos et tel un homme sur une île isolée attendant d'être sauvé, il compte les jours en grattant sur le papier, comme des marques de pointage sur un mur de prison, reconstituant les événements tels qu'il s'en souvient. Ayant récemment fait l'expérience tragique du deuil, alors qu'il se débattait entre sa propre vie et la mort, il recrée d'anciennes photographies de défunts dans sa série "A Little While", les invitant à une conversation et à un dernier repas dans notre monde.

Dans le travail de Majid Biglari, le fait de cacher des codes visuels et d'injecter progressivement des questions essentielles dans l'esprit du public conduit à l'effacement de la frontière entre vérité et réalité. Dans "Soot, Fog, Soil", le public se joint à l'artiste dans le processus de questionnement : Peut-on trouver une relation réelle entre soi et un pays de rêve dans l'esprit à travers la migration ? Ou est-il possible d'effacer les traces de saleté d'une terre en la quittant tout simplement ? À l'instar de ses pairs, qui rassemblent des souvenirs à partir de fragments d'événements, avec ses collages et ses assemblages faits de matériaux recyclés, il examine la guerre, la technologie et le triste sort que la découverte du pétrole a réservé au Moyen-Orient.

Les œuvres d'Elika Hedayat dépeignent l'image terrifiante d'un avenir sombre et certain qui nous attend tous : un paradis ou un enfer promis, un purgatoire vécu, ou peut-être un état présent qu'il ne faut pas attendre car il est déjà là. Dans son monde surréaliste et suspendu, il n'y a pas de réponse à ce dilemme et dans son imagerie grotesque, elle cherche à trouver une issue à sa dystopie intérieure en recherchant la relation du corps à la politique et à l'idéologie.

Tout au long de sa carrière, Arya Tabandehpoor a toujours cherché à se définir en explorant la relation perturbée entre l'homme, la nature et la technologie. En utilisant des codes et des polariseurs, il considère la domination des machines sur tous les aspects de la vie humaine. Dans une autre partie de l'œuvre et à l'aide d'un appareil interactif, il examine l'éternelle relation entre le retour de l'homme à la nature et la façon dont la nature régénère l'homme. S'il ne trouve pas de réponses définitives à ses questions, il se rend néanmoins compte que l'homme, pour qui la technologie est désormais utilisée comme un narcotique pour atténuer la douleur, peut trouver le seul remède dans la nature.

Semblable à un psychanalyste et, en même temps, à un neuroscientifique, Ali Phi explore les souvenirs et le contenu de son esprit en déversant sa vibration intérieure dans le contenant d'images abstraites. Comme les cinq autres artistes, il remet constamment en question la réalité, les expériences et les souvenirs. La relation entre les changements d'habitats, leur impact sur l'esprit et l'âme humaine, et la formation de nouveaux souvenirs en relation avec ce changement, sont décrits dans des codes visuels qui agissent comme un électroencéphalographe.

Ce projet est une convergence de questions, sans intention d'offrir des réponses définitives. C'est une façon d'affronter et de traiter les dilemmes. Les sept artistes et leurs pairs naufragés ont tous atteint une île lointaine, sur laquelle rester assis, attendre un navire de sauvetage ou même rassembler de la nourriture pour survivre n'a aucun sens. Ils se réfugient dans l'isolement de leurs ateliers, sans optimisme ni pessimisme, et, tout en créant leur art, ils recherchent une paix profonde, et peut-être la rédemption éternelle, avant de se noyer !

Mohsen Gallery a été créée en janvier 2010 dans le but de présenter les courants dominants de l'art contemporain en adoptant une approche interdisciplinaire. En organisant régulièrement des expositions individuelles et collectives, des tables rondes et des discussions, en participant à des foires d'art et à des biennales, en publiant un magazine d'art visuel ainsi qu'un magazine annuel qui passe en revue et commente les événements et les expositions de la galerie, celle-ci cherche à entrer en relation avec un large public. L'objectif de la galerie est également de s'impliquer dans la scène internationale des arts visuels et de parrainer des artistes, tout en interagissant avec des conservateurs, des critiques et des collectionneurs d'art.

En plus de la salle d'exposition principale (souterraine), les Mohsen Projects ont été définis dans les trois espaces "Pasio", "Hayat" et "Bam", afin de défier le cube blanc conventionnel des expositions d'art. Ainsi, les Mohsen Projects encouragent et promeuvent l'art de l'installation et les projets interdisciplinaires, invitant le public à un nouveau type d'expérience dans trois espaces flexibles.