Projets Speciaux


« BlooMing » Studio MVW présentée par Christie’s


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Studio MVW, « BlooMing », Vue de l'installation., 2017. Crédit: Studio MVW & Christie's

Faisant suite au succès remporté au salon ASIA NOW l'an dernier, Christie's est heureux de poursuivre son dialogue sur le design contemporain chinois en présentant un projet inédit de Studio MVW. Présentée pour la première fois à ASIA NOW, l'installation BlooMing de Studio MVW est conçue comme un paysage élégant revisité à l'aune de sa philosophie transculturelle. Inspirée des vases traditionnels chinois et réinterprétée dans un langage créatif contemporain, chaque pièce de l'installation suprend le regard en associant la fonction et une esthétique audacieuse, au-delà des frontières de l'art et du design. Ces nouvelles créations soulignent combien des traditions et des formes profondément ancrées peuvent être réinterprétées et transformées dans des œuvres de design de collection éminemment contemporaines.



« Breathing Patterns », solo show de Marina Cruz présentée par A3


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Marina Cruz, « Mend me », 2016, Huile sur toile, 190 x 200 cm. Crédit: Marina Cruz et A3

A3 présente la première exposition monographique en France de la peintre Marina Cruz, qui réalisera pour l'occasion une nouvelle série, accompagnée de son dernier ouvrage publié par la maison d'édition allemande DISTANZ.


« Migration » organisée par ZETO ART


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Yang Li, « Kindergarten-1 », 2016. Photographies de la série 404 NOT FOUND, 100 x 75 cm, 50 x 37,5 cm. Crédit: l'artist.

ZETO ART présente une exposition, « Migration », qui réunit des jeunes artistes travaillant en France, en Chine et au Japon sur des supports variés, y compris la photographie, la peinture, la sculpture, des installations, etc. Contre leur gré ou volontairement, ces artistes ont tous émigré de leur milieu culturel d'origine vers de nouvelles civilisations, où ils vivent désormais et qu'ils explorent à travers leurs œuvres. Directement liés à la différence de statut social dans leur pays natal et dans le pays d'accueil, leurs travaux montrent le changement de perspective et apportent une valeur à la fois esthétique et sociologique au débat sur la migration.

ZETO ART est une équipe de commissaires d'exposition qui aide à promouvoir de jeunes artistes asiatiques partout dans le monde. Pour ce projet spécial, ZETO ART intègre une approche curatoriale traditionnelle à des moyens de communication nouveaux, comme le streaming en live sur diverses plateformes.


« Mr Zheng » 23 Polit-Sheer-Form Office (PSFO) présentée par BANK


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« Mr. Zheng », 2007, Photographie, 120x155.7cm, Ed. 5/5 N/A. Crédit: PSFO et BANK.

Polit-Sheer-Form Office (PSFO) est un collectif fondé en 2005 par les artistes Hong Hao, Xiao Yu, Song Dong et Liu Jianhua, et par le critique et curateur Leng Li. PSFO s'interroge sur le monde, en particulier la construction du monde mental. Par sa pratique sans frontières de la pensée, de la discussion, du voyage et du divertissement, il s'e orce de transformer en formes pures la vie politique, culturelle, économique et quotidienne.

Né en 2008, « Mr Zheng » est la personni cation de l'idée du PSFO selon laquelle « Nous deviens Je ». Le portrait de cet homme au regard vide, vêtu d'une chemise blanche amidonnée, ressemble à n'importe quelle photo d'identité utilisée pour cataloguer les individus dans la société. Pourtant, cette image est composée à partir du portrait des cinq membres du collectif. De même qu'un enfant, Mr Zheng est pourvu des caractéristiques de chacun de ses parents, tout en gardant ses spéci cités propres. Dans le cadre d'un projet artistique, le portrait solennel de Mr Zheng a été accroché dans divers espaces publics à Shanghai a n de faire resurgir le souvenir d'une époque aujourd'hui révolue où les portraits des leaders politiques étaient omniprésents. Au contraire, Mr Zheng est uniquement un portrait, un symbole et une icône, un jeu ctionnel sur le vide qu'a laissé le socialisme dans la société.


« SHIFT » organisée par Zhan Zhou Art Center


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Kang Lei, « Park 2016 Prick », 2016. Tempera, 200 x 140 x 4 cm. Crédit: Kang Lei et Zhan Zhou Art Center.

L'exposition duo de Kang Lei et Du Haijun, SHIFT, explore de nouvelles directions artistiques dans un contexte contemporain. Kang Lei utilise la tempera traditionnelle pour créer dans ses œuvres une impression de distance. Au-delà de ce qui apparaît en surface – couleurs vives, coups de pinceau dur, compositions délicates – se cachent des signi cations symboliques et métaphoriques. Du Haijun vit et travaille à Shanghai. Inspiré par la vie turbulente et exubérante de cette métropole, Du transforme les tours de bureaux, les trains à grande vitesse, les rues et les personnes en compositions de blocs géométriques. Malgré l'abstraction, il reste des traces de vie dans le monde plat de Du – une métaphore de la réalité dans les villes modernes. Du prend également certains éléments des villes et recrée, sur des installations de sécurité telles que des bouches d'incendie par exemple, transformant des objets tout faits en installations qui évoquent le stress et l'anxiété auxquels les gens sont confrontés dans la société. En réinterprétant les symboles, les deux artistes introduisent de nouvelles informations et de nouveaux contenus. Bien que tous deux mènent une ré exion sur les arts post-modernes et utilisent une expression contemporaine, ils expriment chacun leur vision personnelle, liée à leur passé et leur éducation, à leurs expériences et à leurs ambitions artistiques.



« Till Then/Jusqu’à », performance par Zhao Duan présentée par Galerie Liusa Wang


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Zhao Duan, « Combien de...no. 1-1 », 2016. Tirage Photo, 60 x 90 cm. Editions : 3. Crédit: Zhao Duan et Galerie Liusa Wang.

La Galerie Liusa Wang créée à Paris en 2013, a pour but d'introduire sur la scène artistique européenne des artistes contemporains émergents de talent. Pour ASIA NOW, elle présente Zhao Duan, Tong Kunniao, Guo Donglai, trois jeunes artistes chinois qui proposent peintures, installations et performances. Zhao Duan, sensible aux traces fragiles des mouvements humains, cherche à explorer, à travers ses performances, l'intangible et pourtant intrinsèque relation entre le corps et l'existence. Tong Kunniao est connu pour ses installations mécaniques excentriques et visuellement intrusives. Maniant l'humour noir, il les enracine dans un acte de reconstruction de jouets antiques et délaissés, d'épiceries ou d'icônes culturelles. Guo Donglai, lui, poursuit son exploration de la rencontre poétique entre les matériaux naturels et arti ciels, où un langage esthétique minimaliste et austère décrit en silence la beauté intérieure de chaque objet.



Projets Speciaux, Plateforme Coréenne


« an/other avant-garde performance ‹ Nomadism › » organisée par le Biennale de Busan

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Jooyoung Kim, « Nirvana de l'âme », Wolsingham, U.K., 2012., Projet nomade, Busan Biennale. Crédit: Jooyoung Kim.

Pour les projets spéciaux de ASIA NOW, l'équipe curatoriale de la Busan Biennale 2018 présente l'exposition solo de Kim Jooyoung, premier artiste expérimental de la génération d'avant-garde en Corée. On y verra d'anciennes vidéos de performances, des interviews, des archives de dessins, ainsi que deux performances et un entretien avec l'artiste. Lors de la dernière exposition an/other avant-garde china-japan-korea, la Busan Biennale s'est focalisée sur l'art d'avant-garde et particulièrement celui de ces trois pays d'Asie, relativement peu étudié dans l'histoire de l'art mondiale, plutôt centrée sur l'art occidental. On considère que cette exposition a beaucoup participé à l'émergence des ré exions portant sur la scène avant-gardiste asiatique, ré exions toujours en cours.

Les œuvres de Kim sont principalement des performances rituelles, quête de l'après vie ou d'état entre la vie et la mort, comme l'illustrent sa cérémonie des amulettes brûlant au Taj Mahal (1996) et le rituel dans les champs de sel à Yanjing (2006). Le rite est la plus pure et la plus profonde des actions humaines pour l'artiste qui y voit l'expression que notre vie est un séjour momentané et une rencontre à la frontière entre la vie et la mort. « Dans l'Histoire de l'Homme, le mot ‘nomade' renvoie à quelque chose d'inhérent à l'humanité. L'Histoire est marquée par la pulsion nomade de tous les peuples qui sont partis pour prendre la route, parmi lesquels les Bohémiens, la diaspora juive partie pour des raisons ethnologiques et sociologiques, ainsi que les migrants des temps modernes, réfugiés et boat-people qui errent pour des raisons politiques. Mon travail porte sur la circulation écologique de l'univers à travers le processus de l'art, et peut être considéré comme proche du domaine spirituel de la circulation chamanique et bouddhiste. »


« Mona Lisa and the others from the North » solo show de Ham Kyungah 47 présentée par Kukje Gallery


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Kyungah Ham, « Mona Lisa and the others from the North », 2015. Installation vidéo, détail, 11 tailles variables d'une broderie de Mona Lisa faite en Corée du Nord, cadre en bois, écran, boucle, couleur, son. Crédit: Kyungah Ham et Kukje Gallery.

Kukje Gallery expose des œuvres de l'artiste Ham Kyungah (née en 1966 à Séoul), parmi lesquelles Mona Lisa and the others from the North (2015). La rencontre entre la Corée du Nord et Mona Lisa a soulevé de nombreuses questions et attentes. Dans une société fermée où seule existe une forme d'art agréée par l'État, comment la célèbre femme occidentale sera-t-elle perçue par le peuple nord-coréen ainsi coupé de toute notion d'histoire de l'art ? Cette question est le point de départ de Ham Kyungah, qui a cherché à connaître l'image de Mona Lisa auprès de di érents peuples dans divers lieux et situations. C'est en travaillant sur une série de broderies nord-coréennes que Ham est tombée par hasard sur une broderie de Mona Lisa et un timbre commémoratif. La rencontre avec cette Mona Lisa d'origine nord-coréenne a été une réelle surprise pour l'artiste, la Corée du Nord étant connue pour tenir à distance la culture occidentale. Ce qui a retenu l'attention de l'artiste, c'est la parfaite maîtrise avec laquelle l'artisan hors-pair a brodé cette Mona Lisa plus vraie que nature, créant une image di érente, unique, du modèle original. Les entretiens avec des transfuges de Corée du Nord et leurs histoires personnelles, recueillies incognito, sont centrés sur Mona Lisa. Ces histoires sont reliées au récit de leur vie en Corée du Nord, leur départ du pays et leur adaptation à un nouvel environnement ensuite. Se dessine alors de cette Mona Lisa une structure inédite, à la fois métaphysique et tridimensionnelle.


« Non-Sense Music » organisée par Joanne Kim, présentée par Korean Arts Management Service (KAMS)


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Ayoung Kim, « Zepheth », Whale Oil from the Hanging Gardens to You, Shell 1, 2014. Crédit: Ayoung Kim

Non-Sense Music, présenté par le Korean Arts Management Service (KAMS). Commissaire d'exposition : Joanne Kim

Le Korean Arts Management Service (KAMS) présente une exposition de jeunes artistes média coréens intitulée Non-Sense Music dont Joanne Kim est la commissaire. L'exposition parcourt les paysages horizontaux des vastes prairies et des champs de glace, eux-mêmes traversés par la transcendance du temps à travers un siècle d'histoire moderne de la Corée, à commencer par la micro-histoire de chaque artiste et sa généalogie. Les quatre artistes – Kim Ayoung, Park Kelvin Kyung Kun, Lee Wan et Hong Beum – usent chacun d'une approche individuelle pour transformer des phonèmes et des mots spéci ques en chansons, créant ainsi un objet esthétique : la musique du non-sens.

L'œuvre de Kim Ayoung Zepheth, Whale Oil from the Hanging Gardens to You, Shell 1 peut être perçue comme la tentative d'intégrer des données langage-texte et des images son-musique sous la forme d'un chœur, d'une performance vocale. Basé sur les recherches de l'artiste sur le pétrole comme substance miraculeuse faisant le lien entre la Terre et l'espèce humaine, l'économie mondiale et la modernité du XXe siècle, ce projet se retrouve ici dans sa troisième version, tel qu'il avait été exposé à la 56e Biennale de Venise en 2015, All the World's Futures. Dream of Iron de Park Kelvin Kyung Kun construit une véritable symphonie visuelle composée d'acier et de métal à l'œuvre dans un chantier naval, avec ou sans l'aide d'humains, pour répondre à l'histoire de la modernisation du pays via les industries lourdes. La série de lms de Lee Wan, Made In, part de son expérience quotidienne consistant à préparer son petit déjeuner. L'artiste lme le processus entier du « petit déjeuner », y compris sa participation directe dans la production des ingrédients, assiettes et vêtements portés durant la performance. Cette dernière permet à l'artiste de montrer sans arti ces et d'un point de vue militant l'économie et la politique internationale actuelles, de même que les progrès du récent néolibéralisme asiatique. L'installation de Hong Beum, Trickling Down, s'inspire des souvenirs d'enfance de l'artiste lors de son déménagement : « Je me rappelle les nombreux bruits qui ltraient du plafond de cette maison. L'hiver était riche en sons : celui de la glace qui craque, et les bruits quasi indiscernables du vent qui entrait et battait en rythme en traversant çà et là une quelconque fente du toit. » Les souvenirs que déclenchent ces sons sont transposés en peinture. Une nouvelle fois, nous écoutons cette peinture à travers les sons.


Solo show de Bae Bien-U présentée par Galerie RX


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Bae Bien-U, « SNM7A-002H », 2017. Tirage argentique encadré, 210 x 110 cm, édition de 5. Crédit: Bae Bien-U et Galerie RX.

Bae Bien-U est né en 1950 à Yeosu en Corée du Sud. Il vit et travaille à Séoul.

Bae Bien-U exerce l'art de la photographie depuis une quarantaine d'années. Aujourd'hui, il est devenu incontestablement le plus grand photographe coréen. Reconnues dans le monde entier, ses œuvres au langage universel re ètent avant tout la préoccupation du peuple coréen à vivre en harmonie avec la nature.

La Galerie RX expose dans le cadre de la foire ASIA NOW 2017 les tirages argentiques de ses séries emblématiques sur les arbres sacrés, l'océan et les Orums – collines volcaniques d'une île coréenne. Ces monochromes noirs et blancs d'un paysage contemplatif dévoilent sous une forme panoramique une nature en perpétuel mouvement et transportent le spectateur dans un univers méditatif et poétique à la fois grandiose et mystérieux.

Artiste à la renommée internationale, il a été consacré en France par plusieurs expositions personnelles au Domaine de Chambord, au Musée de la mer à Cannes ou encore au Musée d'art moderne de Saint-Étienne. Son travail fait partie de collections publiques et privées telles que le Victoria & Albert Museum à Londres, la National Gallery of Victoria à Melbourne et le National Museum of Modern Art de Tokyo.